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• 作者：wuyu 发布时间：2022-10-28 22:56:35

  设计蛮有趣，第一次知道还有这样的发声书，但是内容很少，应该会吸引小朋友的。（2022.10.28 @ sz)

• 作者：Imsu。 发布时间：2022-04-05 00:34:29

  忘记标记了。1岁5个月买的，回来一直摁。这一套里最喜欢的是农场（喜欢农场动物跟拖拉机）、动物园（喜欢企鹅）、冬天（喜欢音乐跟圣诞节）。2岁8个月又想起这几本书了，睡前又提出要这几本。

• 作者：於~兮~ 发布时间：2022-11-15 09:53:33

  卖得挺贵，不过声音还算丰富，孩子也喜欢。宝宝属牛，最喜欢第一页那声“哞----”

• 作者：D 发布时间：2022-12-10 13:29:27

  尤斯伯恩发声书 这本最喜欢

• 作者：羽戈1982 发布时间：2010-08-13 07:11:48

  柯平！柯平！

• 作者：Sayonara 发布时间：2024-03-10 08:41:06

  我女儿看到鸭子就“嘎嘎”，哈哈哈。

• 明知道孩子将来要去和人工智能抢饭碗，你真的一点准备都不做吗？

  作者：亦君 发布时间：2019-01-09 21:33:55

• 《摄影的藝術》書摘

  作者：上善若水 发布时间：2020-02-01 22:26:15

  摄影是非语汇性交流的一种形式。在最佳情况下，一幅照片可以把一个人（摄影师）的思想传达给另一个人（观看者）。在这方面，摄影类似于其他非语汇性艺术形式，例如绘画、雕塑和音乐。

  “摄影是非语汇性交流的一种形式。”

  要创作一次有意义的表述——一幅永恒的摄影作品，摄影必须具有对世界（真实世界或者虚拟世界）的洞察力，使作品超越那些不经意的、“一瞥即过”的、被认为缺少个人意义的情景。摄影师必须深刻地理解世界，理解它的广袤，它的微妙。这种个人认知能产生摄影所需的洞察力，从而可以在最有效的时刻、采用最具眼光的方式拍摄主题，传达强烈的本质意义或深刻的内在含义。这适用于摄影的所有领域。

  街头摄影一词覆盖了抓拍摄影的很大部分，它被布列松、维基（Weegee）和其他摄影师升格为一种艺术形式。这类摄影与常规的人像摄影有很大的区别，因为拍摄主题通常都是没有经过预演的，而且往往都是意料之外的。当这种摄影达到最优秀的水平，它无疑可以成为纪实摄影的一种形式，它与那些意外、短暂事物的寻找者们密切相连。

  这个新闻摄影领域里，最深刻的做法往往并不专注于事件本身，而是更关注事件为观看者或参与者带来的影响。在很多案例中，比起揭示事件本身，强调人们的反应和互动可以揭示更多人类的本性。直接的新闻摄影往往实在过于关注事件了，只有少数情况才会提升为深刻的评述，超越单纯的记录，变为真正的艺术。

  我认识到一个非常让人吃惊的事实：在艺术家的认识、眼界、摄影理念乃至生命哲学中，主题最终会退居次席。对于艺术家和他的艺术，这是一个必然的定理。摄影师的观察方式反映了他的整个人生态度，无论拍摄的主题是什么。因为每个伟大摄影家都有其独特的观察方式，这种方式会贯穿在他的整幅作品之中。

  “大部分艺术家所主要追寻的不是真实，而是一种恰当的方式，以表达他们所理解的真实。”

  成功地表达你的信息，是创意摄影的根本。单纯地向别人汇报你看到的场景，那是逃避责任；把场景演绎出来，才是接受挑战。虽然场景可能不是你创造出来的，但照片却一定是！因此不要止步于你的所见，加入你的评论、感受和建议，把它们都放到照片中吧，表达你的观点，阐明你的立场，让读者信服你的结论。

  当然，有人会说：艺术家应该追求真实，对于处理手法的过度推崇是愚蠢的。这样的异议有一定的合理性，但大体上，我认为“追求真实”

  是一个相当浪漫主义的观念。我相信每个艺术家，都和其他人一样，对世界有着强烈的见解：它是什么，它应该怎样，还有它应该如何改善。因此，我认为大部分艺术家所主要追寻的不是真实，而是一种恰当的方式，以表达他们所理解的真实。很显然，海因并不是要寻找的真实，而是要揭露工厂童工的残酷现实。类似地，亚当斯中也不是要在他的自然摄影寻找真实，而是要真确地、如他所见地表达自然的壮美。

  如果我们可以回到摄影术远未出现之前，我们会看到类似的例子，艺术家们更多地表达真实，而不是寻找真实。

  除此以外，在这个复杂的世界就没有所谓的“真实”了，而是各种各样相互矛盾冲突的真实。所以，在最好的情况下，真实是难以捉摸的，而在最差的情况下，它是不存在的。例如，我拍摄的每个主题都分别揭示了这个世界的不同方面，那些我认为值得一说的方面。如果说我的照片没有揭示真相，那么它们至少试图表达我对每个主题的观点。我只希望它们可以向其他人提供趣味、内涵和见识。

  对于任何艺术上的努力，有一个说法是可以明确的：必须要有好的构图。无论主题是漂亮的人像、全景风景、贫民巷、室内景物抑或其他，都必须有好的构图才能变得有意义。（事实上，这可以延伸到所有其他的艺术形式，包括视觉和非视觉艺术。甚至音乐也需要好的构成！）

  構圖：“对艺术作品各个部分的布局，以形成统一和谐的整体。这是一个完美的开头。“统一和谐的整体”，这是关键词。如果摄影是你表达自我的途径，那么构图就是用于清晰地（确切地说，是流畅地）表达自我的交通工具。构图是把观看者带入照片的途径，使他们保持足够持久的注意力，以读懂你的表述内容，并明确自己的感受。好的构图，就是艺术家消除随机性、有计划地安排读者视线的方式。

  当一张照片有好的构图，读者首先会看到艺术家希望他们看得最明显、记忆最深刻的元素。然后，他们会注意到第二重要的元素，最后是次要的元素。有了好的构图，艺术家可以引导读者以一种受控的方式来解读照片。观看摄影作品是没有偶然性的。构图就是艺术家把秩序带到无秩序世界的方式。其实，这就是词典定义所需要的东西。（这个定义可以解释为什么雄伟的景观往往很难变为好的摄影作品。那可能因为场景太复杂了。眼睛接收到这一场景，然后投出目光，选择最重要的信息片断，然后再把其他片断组合进来。而照片或其他视觉艺术则必须把这些信息组织起来。如果组织不好，读者的视线就会漫无目的地游走，而不能抓住艺术家要表达的东西，因为这根本没有表达出任何东西。这样，场景并没有被构图，而只是被选择。摄影并不同于美术，但单纯地记录场景会有一个严重的缺陷：缺乏现场感。）

  “观看”和“以摄影的方式观察”之间是有确切的区别的。人们可能会认可和欣赏某个有趣的场景，但未必会把它组织成一幅有效的照片。只有那些可以从场景中创造出有价值的照片的人，才可以算是“以摄影的方式观察”了场景。理解构图、运用构图，这就是艺术家和快照拍摄者的区别。

  好的构图有两个重要的方面：一是统一的思想，二是简单性。两者密切相关。

  “统一的思想”来自于前文的词典上关于构图的定义，“统一和谐的整体”。它指照片里的所有元素要形成整体，也就是说照片中要有中心思想。这个思想往往被理解成一个更狭义的概念，即兴趣中心。如果你专注于统一的思想，你的照片就会有凝聚力。这与演讲类似，我们可以集中于一个话题，而不是漫天空谈。注意不要让“统一思想”的范围变得过于宽泛。把眼前的所有东西都拍下来，然后辩护说“照片的统一思想是乡村景色”，这其实是很容易犯的错误。

  简单性：对于初学者，简单性是非常必要的。构图越简单，就越容易控制和指引读者的注意力。这对于中级或进阶摄影师也同样如此，虽然经验和熟练性的增加让他们可以越来越好地简化和控制更复杂的情景。这对于画家和雕塑家也同样有效——乃至对所有视觉艺术家都如此。这对于作曲家甚至更加有效，只不过这个理念的应用对象从观众变成了听众。

  “什么是艺术？”回答这个问题就像要抓住云朵一样困难。尽管要清楚这个问题的答案是基本不可能的，但我们可以依靠一个事实，那就是每个人都会有自己的观点、喜恶和界限。它往往可以浓缩成一句常用的话：“我不知道怎样才算好，但我知道我喜欢！”我觉得艺术应该提供让人喜欢的、从真实或虚拟世界提取出来的视觉精华。

  通常，暗调容易表现出力量和稳定性，而有时候它会表现出悲观、神秘和忧郁的情绪。高反差会传达出光辉而充满喜剧性的氛围，而低反差则会显得平静。当然，这些说法仅仅“通常”是正确的！有创造力的艺术家可以用他们的技巧来改变常规，以这种出人意料的特征来增强效果。

  斜线具有强烈的构图效果，因为它们有着内在的不稳定性。它们可以制造出张力。它们在站立（竖直）方向和横放（水平）方向都不稳定。在效果上看，斜线是下落的过程，这让它们具有强烈的动态。竖直和水平线条都会在动态方面有所削弱，而在持久性和稳定性上有所增强（甚至说是静态感，如果用于平凡的风格）。而曲线则可以非常动感，也可以非常放松。紧张的曲线可以比宽松的曲线承载更多的戏剧性。

  形状：简单的几何形状（三角形、圆形、长方形等）可以产生强烈的设计感。反复应用和变换这些形状，可以增强构图的强度，尤其是变换它们的大小、影调、颜色、质地和方向。当然，当形状反复出现的时候，它们的几何结构并非一定要很简单才能吸引眼球。这些形状可以是很奇特的，但只要重复出现，它们就会有视觉上的吸引力，甚至可以成为图像中最引人瞩目的元素。

  平衡性：平衡性是指照片左右两侧的均等性。它可以被演绎为影调的平衡性，或者主体／兴趣点的平衡性。图像一侧的暗调与另一侧的暗调平衡。一个重要的物体，无论大小，位于照片的边缘附近，而另一侧没有同等重要的物体，这就会产生明显的不平衡感。

  动态：视线在照片上是顺着线条、形状、反差和物体的连续性而移动的，这种移动方式决定了照片的动态。在我的裂谷系列中，有很多作品都有着圆环形的动态，接近是螺旋状，而在我的森林作品中，动态是由树干的垂直上下方向形成的。太平洋西北角广袤的针叶林生长着崇高、笔直的巨树，它们传达出稳定感和力量感，而太平洋东南角的橡树林则有着复杂、弯曲的形状，表现出由狂野到温顺的一系列感觉。动态可以让人兴奋，动态越强，兴奋感就越强。

  动态与平衡是互相联系的。如果动态是从左到右的，那么必须在右边加重分量，才可以维持平衡，而向左的动态则可抵消右边产生的失衡。动态可以产生失衡感和紧张感，继而产生更强的兴奋感。

  正／负空间：你眼前场景中的明亮和阴暗区域，以及你的照片中的明亮和阴暗区域，就是所谓的正空间和负空间。有时候，正空间可以是溪涧中的岩石，而负空间则是流动的溪涧。溪涧是在流动吗？如果不是，正负空间的相互作用是让人兴奋的还是枯燥乏味的呢？流动的线条是有趣的图案吗？抑或静态、不连贯、断裂的线条才是有趣的图案？寻找答案的方法很简单，你可以半眯眼睛，让图像变得模糊（或者，如果你戴眼镜的话，把它摘掉），那你就可以只看到主要的形状，而见不到更小的细节。然后你可以再问自己一遍上面的问题。物体之间相互作用产生的总体形状和图案对作品的整体设计很重要。同样，当图像变得模糊后，你可以看看影调的相互作用是否让你感到满意。我们往往太关注细节，而导致看不清总体的形状和图案或者正负空间的相互作用。

  质感：质感往往不被看作是一种构图的元素。它可以是最吸引眼光的视觉表现手法。无论是岩石的粗犷，水的流态、皮肤的粗糙、金属物体的光亮、云的柔软，还是其他的无数质感，把它们细致地描绘出来，都有可能大大地提高照片的质量。

  质感往往不是一种非常突现的元素。它们需要摄影师细心周到地寻找和处理。如果使用得当，它们可以是构图中最能打动读者的元素。它们也可以把读者的视线保持在照片中，让读者停下来研究这些质感是如何被细致地演绎出来的。正如我们先前提到的，摄影固有的真实感是它最大的强处，而在一幅构思完善的作品中探索质感的表现，可以展示出令人惊叹的震撼力。质感本身不仅可以表现出摄影师的技术，它还可以带出更深刻的信息，创作出更有洞察力的影像，在摄影语汇中加入真实性和针对性。

  相機位置：在处理三维空间的障碍物体时，相机位置尤其重要。把相机放置在空间的特殊位置，可以揭示（或创造）出尤其惹人喜爱、令人惊讶或富有诗意的前后景关系。特定的相机位置可以创造出其他位置不存在的有趣图案和图形（或线条）关系。当这些现象发生，你就找到了最正确的位置，而不仅仅是接近它。有太多的人，他们往往只从眼睛的水平高度拍摄，因为这是他们观看世界的位置。他们很少从腰部或膝盖的高度、或者他们的路线的左右两侧，又或者其他不寻常的位置来研究风景，而这些位置可能会新奇刺激得多。

  “当你遇到一个震慑到你的场景，你必须马上对这种冲动作出本能的反应。这不是说你要马上拍摄，而是要马上对它进行研究。”如果你经常这么做，你就会慢慢进化成那种当相机一靠近眼睛，就能马上找到最佳构图的摄影师。

  好的照片是一种视觉陈述，构图中的所有元素都只是用来强化这种陈述的工具。所有构图元素，其自身都是没有意义的。我们必须相互一致地运用每一种元素。

  镜头焦距：相机位置必须与镜头的焦距一起考虑，两者共同决定了图像的透视。长焦距的镜头（望远镜头或类似的镜头）会压缩空间，把实际上距离很远的东西挤在一起。短焦距的镜头（广角镜头）会夸大空间，把实际上靠得很近的东西分开。聪明的摄影师可以利用这种现象，创作出多数人都没有在现实中看到过的动人照片。选择适当的镜头和光源（自然光或人造光），可以戏剧性地改变场景的特性。

  景深：通常，我会选择让读者可以细读场景，获取其中任何位置的信息，但我不会把它当成规则，因为恰当地运用小景深也可以有极佳的效果。镜头在一个固定的距离把图像聚焦下来，这个距离介于最短焦平面和无限远之间。通过缩小光圈，你可以把焦平面之外的东西拍摄清晰（当光圈开到最大，焦平面前后的清晰度会大幅下降）。如果你想整幅图像都清晰锐利，而场景中又同时含有距离相机很近和很远的物体，你最好聚焦在最近物体到最远物体的1/3距离左右。这个距离被称为超焦距。然后，把光圈缩到最小。当光圈缩到最小，焦平面前后的清晰度都会增加，但程度不相同。景深（即焦平面前后两个清晰端点的距离）从焦平面朝向镜头增大的速度，大概是背向镜头的一半。这就是选择1/3距离对焦的原因。

  我们任何时候都要把这些构图元素综合起来考虑。对于我来说，摄影的本质（也是所有艺术的本质）在于艺术家创造出来的联系。一个音符是没有意义的，除非它与其他音符结合在一起。节奏、和弦、音色，以及其他音乐特性都必须在音乐作品形成之前加入其中。这对摄影也同样正确。只有一条线，那不是一幅摄影作品，也不是一种质地纹理。平衡或不平衡，意味着至少两个元素之间的关系。当照片中存在联系，当摄影师巧妙地或大胆地把它们表现出来，照片才会升华。

  自己对场景的理解和反应结合起来，然后用摄影的工具演绎出来给读者观看，这样，你就也许就可以把自己的真实感受传达出来，甚至可以强化这些感受。事实证明，大部分人都会坚持“复制”和“忠于”场景。真正的摄影家会超越场景，把场景作为自己的创意或演绎目标的出发点。如果你的目标只是保存自己所见的东西，那你的创造性就会很有限。那些没有观察构图元素或构思最终效果就拍摄的人他们都只是在拍快照而已。游客们很少思考光线，或者推断下一小时或明天早上会有什么光线变化。他们很少考虑隐藏在其中的构图元素。通常，拍摄的动力都是因为他们以后都不会再到那个地方了，所以“最好现在就把它拍下来！”这种态度往往会拍出极其沉闷的快照。

  我建议你宁愿留下对景色的美好回忆，也不要留下一张坏照片，因为这张照片最终会变成你对景色的回忆。如果你愿意、并渴望超越场景，那么你的创意潜力就是无限的。你不仅可以向观看者展现对你影响很深的东西，而且还可以创造出全新的世界。米诺·怀特（Minor White）说过：“我们拍摄的某种东西原因有两个：它是什么，以及它除此之外还是什么（for what it is, and for what else it is）。”这句话是我们要谨记的。

  光线是摄影的根本。知识丰富的摄影师都会认识到他们拍摄的不是物体，而是光线，以及光线描绘物体的方式，或者物体发射光线的方式。摄影是对光的研究、理解和演绎。线条、图形和形状之所以会出现，是因为它们被光显现出来了，而不仅仅是因为它们自身的特性。

  色彩与情感：当我们思考色球的时候，我们要考虑到色系，以及它们如何增强情感。红色、黄色以及相近的颜色被称为“暖色”，而蓝色、绿色以及相近的颜色被称为“冷色”人们对暖色和冷色会有情感和生理的反应。

  虽然摄影作为一种艺术形式，可以有它自己的价值，但我们不能孤立地考虑它，而应该与其他艺术联系起来考虑。每种艺术形式在其表达信息和表达方式上，都是独一无二的。

  影像必须具有某些能让它超越纯粹记录的东西。那也许是一种极高的敏感性——某种被感觉到并被揭示出来的东西，能让读者有更深刻的见识和理解的东西。那也许是一种神秘性——某种未留下答案的、需要读者研究照片并进一步思考的东西。或者，那也许是一种惊喜——某种出乎意料的、让读者感到好奇和惊讶的东西。也许那是某种被强化的戏剧性、庄严性或平静感。无论那是什么特质，它都必须超越单纯的场景、人物或事物。

  摄影到达艺术的领土还有另一种方法，那就是抽象化。抽象，正如其定义，是指把摄影作品从纪实的领域中抽出。好的抽象摄影需要非常敏锐的洞察力。每个人都可以通过拍摄事物的细小部分来创作难于分辨的图像，但只有这些图像与构图的力量结合起来，与被称为内在信念的、几乎无法定义的特质结合起来，才能被称之为艺术作品。

  摄影的另一个特性：它是世界通用的语言。正如音乐和其他视觉艺术一样，摄影不需要翻译。它的信息可以被世界上的任何人感受到。摄影就像所有其他视觉艺术一样，它超越了语言，能够在不同国家的疆界上延伸。摄影家们可以向全世界表达自己的思想，因为视觉语言是世界通用的。

  我们必须认为摄影是一种强大的艺术形式。它是一种强大的交流方式。对于每一张照片，要是想达到艺术的标准，它就必须超越如实再现。无论是现实主义还是抽象主义，都可以成为通往摄影艺术的大道，但两者都必须拥有艺术信念的忠实性。因为我们被淹没在报纸、杂志、广告牌、商品名册，以及各种日常事物的照片中，所以摄影师的工作甚至比其他媒介的艺术家更伟大。然而，当摄影达到艺术的标准后，它就变成了最具表现力的艺术形式。

  新颖性和原创性往往是短暂的，起码在漫长的时日中是这样。作品能否具有持久的意义，需要多年以后才能确定。到了那个时候，它们在被创作的时候是否新颖也许会被人们忘掉。在遥远的未来，人们会仅就影像的艺术价值进行评判，内在信念和艺术忠实性会比原创性更重要。

  摄影的过程始于发现加想象。画家可以选择在空白的画布上放入任何东西，而摄影师则必须把相机指向某样东西，或者从审视某种东西开始创作。但这并不是结束，你的想象力必须把“发现的物体”变成有趣的、有意义的东西，而不仅仅是一件物体。米诺·怀特的话非常到位：“我们拍摄的某种东西原因包括：它是什么，以及它除此之外还是什么”。