手艺之道：18种觉醒与新生 下载 pdf 电子版 epub 免费 txt 2025

手艺是一种生活方式。传统的手艺顽强地代代相传，如同太阳朝升夕落，人间晨钟暮鼓。看似单调、重复的劳作，赋予手艺以神性之光。这本访谈录想要呈现的，并不只是沉默的坚守， 是在时代洪流中，在面临“民艺与设计”“传统与创新”“消亡与重生”等等这些宏大命题时，所谓的手艺，还有哪些空间和可能。

我们这个时代杰出的创作者，面对现实的困境，率先醒来，努力发现症结所在，并以孜孜不倦的创作作为回应，不仅完成了对自我的 ， 为手艺的存续与迭代拓出新的空间。书中收录了18篇访谈， 是18种觉醒与新生之路。手艺从传承、革新到传播的方方面面，都可以从这些对话中发现端倪，获得启迪。作为回报，传统技艺与器物，同样给设计界带来了反思、沉淀与重新出发的契机。

前言：手艺之道

上篇：我之深处

安田猛（Takeshi Yasuda）

在“中间地带”发现自我

八木隆裕（Takahiro Yagi）

头文字K

王金山（Wang Jinshan）

经纬时光

吴元新（Wu Yuanxin）

采蓝

菱田贤治（Kenji Hishida）

我的信条是不和别人较量

李伯苍（Lee Boa-Tsang）

我的客人是琴，不是人

伊格拉·露西娜·奥帕拉（Igora Lucyna Opala）

羊毛书写者

中篇：设计的尺度

吕永中（Lv Yongzhong）

如何驯服一匹野马

殷九龙（Yin Jiulong）

无法告别的告别

朱哲琴（Dadawa）

民艺启蒙众生

吕敬人（Lu Jingren）

中国设计的觉醒

蒋琼耳（Jiang Qiong Er）

“上下”求索

丁念祖（Peter Ting）

时代的敲门人

下篇：重塑公共生活

欧阳应霁（Craig Au-Yeung Ying Chai）

味道ING

阮义忠（Juan I-Jong）

1125秒以后

张清渊（Ching-yuan Chang）

学院之光

汪芜生（Wang Wusheng）

天域黄山，如何进入公共生活

周功鑫（Kung-Shin Chou）

新生

后记：好吧，我们不再一起漫游

张泉曾任《生活月刊》杂志主编。主要作品有《城殇：晚清民国十六城记》《中华文明访谈录》（独著）、《敦煌：众人受到召唤》（合著）、《陶艺美学录：寻访当代陶艺名家》（主编）。参与创作纪录片《辛亥》（撰稿）、《五大道》《大上海》（总撰稿），曾多次获得“金鹰奖”“星光奖”“中国纪录片学院奖”“中国纪录片年度作品”等奖项。其在《生活月刊》杂志主持策划的专题报道，曾多次获得亚洲出版业协会（SOPA）颁发的“亚洲 新闻奖”。

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天域黄山，如何进入公共生活【采访时间：2016年】（本文图片由受访者提供）时至 依然很难精准地回溯，汪芜生的影像风格究竟如何成型。它仿佛突然降临，如同藏地说唱格萨尔王史诗的神授艺人，他们会在一梦之间记起失落的前世，变成另一个人。

    汪芜生（Wang Wusheng）1945年生于安徽芜湖，2018年去世。1972年开始从事摄影工作，1974年开始拍摄黄山，1981年前往日本留学，长年旅居日本和美国。1988年，日本当时 的美术馆之一东京西武美术馆为他举办大型个展，日本 出版社讲谈社为他出版摄影集。他被日本TBS电视台、东京都摄影美术馆和《朝日新闻》评选为“20世纪世界十大艺术摄影家”。欧洲三大美术馆之一的维也纳艺术史博物馆破例为他举办个展，这是该博物馆 举办摄影展， 举办亚洲艺术家个展， 为在世艺术家举办个展。在联合国总部纪念联合国成立60周年的展览中，他的摄影作品与日本已故艺术大师东山魁夷的遗作一道代表东方美学。在美国华盛顿沙可乐美术馆的“黄山”特展中，他的摄影作品与弘仁、石涛等七位中国古代传奇画家的名作并置，他是其中 的摄影家， 的在世者。

    景象与心象汪芜生隐居在上海西郊，偶尔会有飞机从窗外竹影间掠过。渐渐地，他已经对此视若无睹，无论它们来自东京，还是飞往纽约。

    他几乎不再外出拍摄，将 多时间留给“暗房”，独自与十几万张尚未系统整理的底片朝夕相处。底片里有日本的海，纽约、巴黎、东京、维也纳的都市景象，美国中部的乡村小镇和江南水乡的残垣断壁，有黑白也有彩色，都是持续多年的摄影计划，却从未发表过。欧美的画廊时常发邮件来，催问这些照片的下落，似乎只有汪芜生自己对此毫不着急，他依然忙碌于“天域黄山”新作的创作中，因为他对迄今为止出版的所有作品集都不满意，他要出版一本能让自己真正满意的作品集。

    他仍在苛刻地对待这些底片，先在放大镜下反复比较挑选，制作出十几个版本，一字排在墙上，仿佛面对十几个孪生子，只有他看得出其间微妙的差异——局部的黑、白、灰稍显不同，浓淡搭配略有区别，方寸之间，足以造成天渊之别。有时，他甚至不是在挑选 满意的某一张照片，而是在寻找曾经震撼自己的景象与心象。

    黑白梦影 大多数人是通过黄山认识汪芜生的，也有的人因为汪芜生重新认识了黄山。

    人们往往无法相信，这些照片诞生于20世纪70年代和80年代。在红色美学的夹缝中，汪芜生却用黑白灰三色，为那个时代留下截然不同的注解。

    时至 依然很难精准地回溯，他的影像风格究竟如何成型。它仿佛突然降临，如同藏地说唱格萨尔王史诗的神授艺人，他们会在一梦之间记起失落的前世，变成另一个人。

    汪芜生1945年出生于一个左翼文化人的家庭，自幼热爱文学、绘画和音乐，然而，在文化封闭与知识焦渴的年代，他的阅历与同辈人无异，他从父母的言传身教中受益良多，也从诸多艺术作品里获得过一些启示……这些积累与感悟显然极为重要，但它们似乎都不是决定性的。

     合理的解释或许是他和黄山的邂逅。1974年，当他孤身一人面对茫茫云海，将时代的喧嚣置诸身外，竟如老僧入定，恍然顿悟。多年后，在不同的场合，他依然会心怀感激地描述这样的感受：“在黄山，我感觉到宇宙，感觉到历史，几亿年的石头，几千年的松树，让我感到自己的渺小，跟浩瀚的宇宙比起来，我们几十年的人生算什么呢？我在二十多岁 次深刻地考虑人生的问题，在这短促的人生中，我该怎么活？怎么去挥霍上帝给我的这份财产？这确立了我的人生观。我下定决心要把一件事做好，完成它，我再离开这个世界，那就是呈现我心中的那座‘山’。”黑白灰的色调变奏在中国水墨画中比比皆是，当人们面对汪芜生的作品时，都可能误认为是水墨画，细看之下才会发现，他的摄影美学与水墨画不同。这不仅是宣纸与相纸的质感差异，他的画面与意蕴本身都 加现代，也 加 。他的作品因此可以跨越国界，被不同文化背景与知识结构下的人们所理解，并为之感动。

    汪芜生在摄影生涯之初，就明确了这种独特的风格，并一度为此饱受冷眼。他将作品带回供职的图片社，随即招来一片嘲讽，有的人不理解他的理念，有的人则怀疑他想以艺术家的身份对抗体制。这让他决定在1981年前往日本留学。

    刚到日本，他同样受到了各种或善意或恶意的嘲笑。他在朝日出版局的暗房里放照片，日本摄影师半开玩笑地说，看他放照片就像在炒面条。他虚心地学习日本的技术规范，但在关键问题上依然固执己见。日本大学艺术研究所对黑白照片的色调有着严格规定，教授一再强调，决不能使用 的黑色，这是摄影大忌。汪芜生不为所动。许多年后，黑成为他的独特风格之一，他的黑被美学家夏中义誉为“金刚黑”，巫鸿则形容它是“一种光滑的漆黑，好像是集中了所有的颜色”。

    一些日本评论家开始将年轻的汪芜生称为“东方的亚当斯”，但他当时从未见过黑白摄影大师安塞尔·亚当斯的作品。后来，他终于看到亚当斯的画册，惊叹不已。他们的摄影风格确实有着惊人的相通之处，都执着于黑白摄影，聚焦自然，表现的则是抽象与 的自然。但汪芜生不想重复别人的路，不想成为第二个亚当斯，或者第二个郎静山。他要开创自己的风格。

    三十多年过去，他的理想显然已经实现。他被日本TBS电视台、东京都摄影美术馆和《朝日新闻》评选为“20世纪世界十大艺术摄影家”；欧洲三大美术馆之一的维也纳艺术史博物馆破例为他举办个展，这是该博物馆 举办摄影展， 举办亚洲艺术家个展， 为在世艺术家举办个展；在联合国总部纪念联合国成立60周年的展览中，他的摄影作品与日本已故艺术大师东山魁夷的遗作一道代表东方美学；在美国华盛顿沙可乐美术馆的“黄山”特展中， 学者、策展人巫鸿， 将汪芜生的摄影作品与弘仁、石涛等七位中国古代传奇画家的名作并置，他是其中 的摄影家， 的在世者； 出版的世界摄影史作品《摄影： 的视觉历史》（Photography: The Definitive Visual History），则在亚洲视角这一章节中，专门探讨汪芜生的摄影美学，称他为“ 重要的现代风格倡导者”。

    意外的发现当人们津津乐道于汪芜生在维也纳艺术史博物馆的传奇经历，让他欣喜的，却是一个意外的发现。

    在维也纳，他发现了一种独特的灯。如今，这盏灯就藏在他客厅沙发背后的角落里，通过调节灯前的叶片，光束不偏不倚，落在他的一幅黑白黄山上。光铺在山石与云海间，不会向四周漫溢，甚至不会照到边框。当年，就是因为这种灯的存在，人们一进入维也纳艺术史博物馆幽暗的展厅，每幅照片都仿佛隐隐发光，观众的视线被 吸引，很快沉静下来，心无旁骛。

    回国多年，汪芜生一直苦口婆心地说服朋友们，制作这样的灯。他相信，灯光技术的革新，会让中国摄影展览的品质与观展体验得到提升。

    这是汪芜生不为人知的另一面。

    所有艺术家都会重视自己的展览，这一点当然毋庸置疑。汪芜生对艺术与空间的关系所保持的强烈敏感和各种大胆设想，却颇为罕见。在他看来，展览空间本身就是一个整体的艺术作品，在一些特定的展览中，摄影艺术只是其中一种元素， 可以与声音、装置、气味等艺术形式相互配合，通过充分调动观众的“五感”，重新塑造出艺术与心灵相通的内在世界。只有观众全身心地投入参与，艺术才会产生新的生命力，就像约翰·伯格在给苏珊·桑塔格的一封信里所写的那样：“在照片的四周，我们必须建立一套放射性的系统，以便我们能同时以个人的、政治的、经济的、戏剧化的、日常化的和历史的观点来欣赏摄影。”艺术与空间汪芜生对艺术与空间的思考源于33年前。

    1983年，他的巨幅黄山摄影被东京艺术大学教授茂木计一郎引入横滨古刹劝行寺，装裱在寺庙书院的隔扇门上。此前的上千年，障壁隔扇画一直都是日本古画或中国山水画。汪芜生的黑白摄影美学让这一 的革新并不突兀，现代摄影 为古老的寺庙带来摩登感。此后，日本镰仓拥有近千年历史的神社鹤冈八幡宫，又以汪芜生的摄影重新装裱影壁。从前，摄影作品只会在美术馆或者博物馆展出，汪芜生的黑白摄影却让建筑家们看到另一种可能，摄影一步步进入公共空间，同时承担起实用与观赏的双重功能。

    1988年，当日本极负盛名的西武美术馆决定为汪芜生举办 个展时，他试图把摄影隔扇门也搬进展览现场。这个设想显然难以实现，但他立刻想到另一种古老的载体——屏风。

    汪芜生一直相信，自己拍摄黄山的作品应该以巨幅呈现，评论家和观众们的反馈 坚定了他的观点。许多人看到他的画册，深受震撼，然而，等到他们从展览现场走出来，都会惊呼，画册与展览中的巨幅作品相比，实在有天地之差。问题在于，巨幅作品手工冲印后，运输 困难，而屏风恰好可以解决这个难题。

    在展厅中，屏风倚墙而立，从二曲到六曲，可平铺，可折叠，不同的展示形态带来不同的观看方式与视汪芜生的构想能够成为现实，则得益于日本的匠人精神，他辗转多日，终于找到一位匠人，能把照相纸小心地揭开，只留下像宣纸一样轻薄的银盐乳胶层薄膜，装裱在屏风外框上。从此，汪芜生终于可以在日本手工冲好巨幅照片，以屏风的形式折叠运输，前往美国、欧洲的美术馆展览。

    “戏剧性”的时空从 个展开始，汪芜生希望造就的就是一个充满“戏剧性”的展览现场。摄影家通过作品呈现出的意境，不仅可以被观看，也可以被倾听、被嗅到、被触摸……他希望与观众分享自己独自面对云海时的记忆——万籁俱寂中，四野倏忽隐匿的松涛声和鸟鸣猿啼，间或被风携来的草木泥土清香，以及亿万年前形成的岩石在掌心传递的余温。摄影家时而像《追忆似水年华》的普鲁斯特，时而又像被《命运》击中的贝多芬，试图在数百平方米的展厅内塑造一个记忆的场域，充分调动观众的“五感”，再放任观众进入各自的冥想与对话空间里，让艺术发挥 大的能量。

    30多年前当汪芜生提出这些创见时，它们显然为时过早，有的理念在当时很难被理解，施行的过程中又往往囿于资金、人员、技术等因素难以 实现。作为摄影家，他只能尽力从自己的角度做出革新的尝试。

    1988年在东京西武美术馆举办 个展时，他的作品以小

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书籍介绍

安田猛、王金山、朱哲琴、吕敬人、蒋琼耳、欧阳应霁、阮义忠、汪芜生、周功鑫……

18场对话，18个火种|点亮国潮复兴背景下的时代脉络

*内容简介

手艺是一种生活方式。传统的手艺顽强地代代相传，如同太阳朝升夕落，人间晨钟暮鼓。看似单调、重复的劳作，赋予手艺以神性之光。这本 访谈录想要呈现的，并不只是沉默的坚守，更是在时代洪流中，在面临“民艺与设计”“传统与创新”“消亡与重生”等等这些宏大命题时，所谓的手艺，还有哪些空间和可能。

我们这个时代杰出的创作者，面对现实的困境，率先醒来，努力发现症结所在，并以孜孜不倦的创作作为回应，不仅完成了对自我的超越，更为手艺的存续与迭代拓出新的空间。书中收录了18篇访谈，更是18种觉醒与新生之路。手艺从传承、革新到传播的方方面面，都可以从这些对话中发现端倪，获得启迪。作为回报，传统技艺与器物，同样给设计界带来了反思、沉淀与重新出发的契机。

*本书亮点

△三度“亚洲卓越新闻奖”得主张泉，历时9年多，采访18位杰出设计者和手艺人，点亮国潮复兴背景下的时代脉络。

△本书与通常的手工艺类书籍最大的区别在于，不是单纯地展示手艺之美，而是介绍手艺在当代的生存境遇，以及为它的存续和发展而努力的人的故事。他们从传统中汲取力量，又希望重估传统的价值。他们勇于创新，也承受着创新引发的困惑与迷惘。他们怀抱着极大的野心，试图颠覆时代的规则，却又极度谦卑。他们不断突破想象的极限，却又努力把握革新的分寸。他们没有被多变的风潮裹挟，努力恪守着自身的选择。他们没有被凡庸的激情淹没，甘愿沉潜于造物的时光。他们所恪守的，即所谓的“手艺之道”。

△我们这个时代杰出的创作者——陶艺家、缂丝家、印染家、漆艺家、制琴师、产品设计师、书籍设计师、纺织设计师，也有科学家、博物学家、摄影家、艺术家、音乐家、美食家——面对现实的困境，率先醒来，努力发现症结所在，并以孜孜不倦的创作作为回应，不仅完成了对自我的超越，更为手艺的存续与迭代拓出新的空间。这些探索涉及手作、教育、研究、收藏、展览、空间规划、生活体验、文创开发与品牌塑造。手艺从传承、革新到传播的方方面面，都可以从这些对话中发现端倪，获得启迪。

△本书以访谈录的形式，如实记录了当今设计界对传统的反思与再造。妙手匠心，令传统手艺与当代语境接轨，重获新生——这并非一场单方面“拯救”，而是彼此成全。

△本书采用线装裸脊工艺，展现手艺的质朴与纯真；内文使用日本进口雪莎樱花纸，156幅彩图，高清细腻还原艺术之美。

• 作者：外外 发布时间：2022-03-30 19:01:38

  看多了手艺的没落和挣扎，这本富有生机，新鲜的东西。

• 作者：韧勉 发布时间：2022-04-04 13:20:07

  继《荒野上的大师》之后张泉又一非虚构群像写作，多次采访东亚中、日、韩、越多国非物质文化遗产传承大师的心路历程，非常规整的人物采访通讯结集，读者可以从阅读中，汲取专注的心力，以及看淡人生百态。

• 作者：万物静默如初 发布时间：2022-05-19 10:49:25

  解开一个结，有时只在闪念之间，有时却要琢磨十年。匠心的传承往往潜移默化。

• 作者：予渊 发布时间：2021-10-31 16:26:35

  对构图意识是有帮助的，简单的建筑透视讲得也很好，但示例基本都不是“起点”级别的，对混色和造型的要求非常高。作者用色风格比较鲜艳，对比度比较大。

• 作者：叶酱 发布时间：2022-12-01 11:17:59

  印象很深刻的是那位书籍设计大师，命运的大锤在青春正好的年纪砸下来，我现在终于感同身受那种绝望了，几乎所有同时代的中国艺术家，都有类似的经历，背负着十字架前行。京都那位开化堂六代目的故事，就非常的日本匠人模版，一生只做一只茶罐，但能够微调传统也很棒了！

• 作者：danyboy 发布时间：2023-12-19 09:32:06

  这些手艺，绝大多数一两百年前甚至几十年前还是凡人凡物，当实用性褪去，艺术性凸显。我喜欢朱哲琴啊，一直就喜欢。今天我们的手边身上之物，又有多少将来会重蹈命运呢。如果从今天开始，执著的做一件事情做到老到死，你会选择做什么？（写钢笔字手艺大师？手机输入法大师？……）

• 历时9年寻访18位大师级别的手艺人，才说得出“手艺之道”。

  作者：卡西 发布时间：2022-06-20 17:16:49

  一本书收录了跨度有九年多的访谈内容，就像手艺大师在打磨一件作品一样，这本书本身就有一种值得品味的时光沉淀。

  

  《手艺之道》这本书分为三部分，上篇-我之深处，中篇-设计的尺度，下篇-重塑公共生活。可以说通过访谈18位不同领域的手艺人，他们的手艺人生和“道”启迪了我对生活的思考，从人与物，人与空间，甚至人与人之间的关系，一件手艺作品，可能融入的内容太丰富了，以至于以后将不再单纯看作品为作品，更多的是看到一种道，手艺之道。

  这本书一旦翻开，好像便难以放下，这些大艺术家的人生阅历吸引着我，丰富的配图也让我更直观去看待他们的作品或与他们有关的经历。同时也像是一本关于手艺合集的杂志，书的手感纸张都颇为舒服，与书的主题很

  

  阅读书中的内容，可以从任意一段访谈看起，这本书很有国际视野，因为不只是写中国的手艺大师，也囊括了非常多外国艺术家。开篇第一位就是日本陶艺家安田猛，他与我国有“瓷都”之称景德镇有着深远的故事。

  安田猛说自己在日本待了三十年，在英国待了三十年，如今又在中国待了十几年。那么，他在中国的这十几年里带给景德镇的是什么？我很喜欢他访谈里说的一句话，

  他说：“中国人应该认真探索自己的文化，确切地说，是重新探索。”

  他这句话提醒了我，我们这一代人，对中华文化了解多少？我甚至不敢想这个问题，因为我还没有底气。我深知阅读会让人意识到自己更无知，当下的感受就是如此。当中外文化交汇的时候，实际上就是一种进化，彼此间吸收再输出。

  

  看这些访谈里面，我特别喜欢关注一个问题，是关于瓶颈期的。说实在的，日常创作是他们生活和工作重要的组成部分，那些成就他们作品的过程中所经历的瓶颈期是否和我们普通人经历的相似？他们又是如何突破的？

  我企图把这些对话都记录下来，当我处于自己的瓶颈期时，又或者说挫败也好，希望通过这些大师们的观点充实自己的内心力量。

  Q：大师们经历过瓶颈期吗？如何突破？

  安田猛：“我决定回到最基本的方法上，即如何将一个基本的问题扩展出去，通过拓展大家的思路来推动教学。”

  菱田贤治：“其实每天都是瓶颈期，非常顺利的时候很少。遇到瓶颈，就只能动手去做，换一个方向再尝试。”

  伊格拉·露西娜·奥帕拉：“有时我会遇到技术难题，但是时间长了，我会学着如何调整技术的限制，用自己想要的方式来表达想象。我积累了很多不同的方法来创作，通过调整这些方法，我总能获得意料之外的惊喜，而这些结果又常常能让我自己感到非常满意。”

  蒋琼耳：“最大的挑战其实是对工艺的理解、学习，与手工艺老师的沟通。我们与手工艺人就像朋友、家人一样相处。”

  丁念祖：“我开始做设计时，创办了一家公司，创作的时间被迫缩短，但是创作的量又很大，创作完要马上投入生产，然后再创作……要掌握好节奏真的很难。没有平衡，永远都是一会儿高一会儿低，一直处于追求平衡的状态。”

  

  另一种感慨，手艺人耐得住寂寞，在悠长的时光中创作，也在创作中融入自我。

  在这个人们动不动就焦虑就内卷的时代，人真的很浮躁，很难沉下心来去坚持做一件事，这真的很不容易。可是阅读这本书，会发现这些在自己专业领域上拥有顶尖技艺的手艺大师们，每一个人都对手艺抱着深厚的情感，已经不是简单的说用耐力或毅力坚持做，而是一种生命所不能割舍的连接，在漫长岁月中把工艺融为生命的一部分，所创作的作品也是他们自身的发心。

  我是卡西

  热爱美好生活的阅读者

  公众号：美和好的生活

• 时间之道，一百年一个轮回

  作者：两块方糖 发布时间：2022-06-16 00:05:42

  

  在没翻开之前，我原以为这本书讲的是些磨剪子、戗菜刀一类的非常旧味的生活故事，带着很浓的乡土气息。

  但我错了，这本书的翻阅体验，像极当年我看宫崎骏的动画《侧耳倾听》时那份若即若离。动画里的小男孩的梦想是学做小提琴，对于平常人，或许这并不是必需品，但它有意义。

  巧的是，《手艺之道》里也介绍了一位制琴大师。

  《手艺之道》讲述了18位手艺人的过往经历，他们的传承与创新、坚守与突破。

  可能在寻常印象中，这其中的有些事儿离着“手艺”有点远，但想了想，就如作家之流，靠着文字为生，归为“手艺人”，也未尝不可，又何必在“手艺”二字上斤斤计较？

  只要人在一件事上，做得有些许声色，都是该学习的。

  安田猛是日本陶艺家，现居中国景德镇。“找到让自己激动的东西很重要”，安田猛如是说。他的个人风格就建立在这个基础上。或许是我有些偏好于极简主义的风格，仅从书中的图来看，我是不太能理解安田猛的这种繁复艺术的。不过单凭技艺讲，若非天然形成，而是后天设计，想来繁复确实是能力。

  

  八木隆裕出身于日本制茶筒世家。我喝茶如牛饮，常常原装袋子、纸筒盒子随意存贮，不曾想过，在日本，一个茶筒都能“摸索出130多道复杂工序”，着实有惊到。感觉在日本，或许有早年物资不充裕的原因，喝茶已经不再是一种生活，更像是在进行一场供奉。不过，把小事做到极致地细节，或许也可称作一种处女座的完美。

  

  王金山，是真正意义上的中国工艺美术大师，曾任苏州缂丝厂厂长。因为曾经在古言小说中多次看到描写例如双面绣等针织技法，所以对这一部分还是挺感兴趣的。王金山钻研出了两面全异的缂丝工艺，对于连一个十字绣都绣不明白的人来说，确实能让我惊叹。书中还展示了他用缂丝工艺制作的花鸟屏风，让我突然理解了牡丹花的雍容华贵、国色天香。

  

  吴元新是长期致力于蓝印花布艺术保护和传承的印染老师。看了看我的衣架上，除了牛仔裤，确实中国传统那种偏深一些的蓝色已经很少见了，蓝印花布更是没有印象。这种图案的消亡是一种损失吗？就像在史学家眼中，古代寻常人的日记都是珍贵史料，对于我而言就毫无价值。知道世界上有这样一类人，四处搜罗着几乎无人问津的东西，这感觉挺奇妙的。

  

  凌田贤治是给陶器上漆的一位日本艺术家。他的作品有了那种我理解上的日本“禅”的艺术。看书中的图片，是我喜欢的简洁风格，但并不会希望家里放置这样一个物件，因为太冷。即使在大夏天里翻来，依然有一种凉森森的不舒服。不知道内心多么丰盈的人，才能够将这种器物温暖。凌田贤治说，他喜欢孤独，物如其人，所以才会有这样冷寂的风格吧。

  

  李伯仓是台湾的一位制琴师和修琴专家。他有一句话，我挺喜欢的，“你没有任何办法可以仿冒时间留下的痕迹”。讲的是有些制琴者想要投机取巧将新琴做旧的现象，这些手段会伤害到琴本身。一项手艺，其实很多时候就是光阴的故事，一些事急不得，水到了自然渠成，人也一样。急躁，往往更糟。

  

  此外还有介绍毛毡方向的纺织设计师、做书籍设计的、做空间规划的、研究摄影和美食的，都是我未曾设想过的道路，看看也挺有意思的。