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世间万象，都可以从其内外两方面去体验。内外如何分定，取决于现象自身的特性，随意不得。幽坐室内，隔窗望街，窗玻璃滤掉闹市的嘈杂，街上一切行色，依稀仿佛哑剧魅影。窗里窗外，一时”恍如隔世“。

开门启户，走出幽室，观者置身于外面的真实世界，并成为它的一分子。五官瞬时萌动，体验亦随之而来。这边闹市喧哗，不绝于耳，听到声调音速各异，抑扬顿挫，此起彼伏。那边往来车马，川流不息，看到线条生动，横竖不一，又看到色彩缤纷，此消彼长。

艺术品有如一面镜子，映照在我们的意识表面。它们的形象总像是在镜面之后，当感觉隐退，画像便逐渐消失，不留痕迹。我们和艺术品之间，有如隔了一堵透明却坚固的玻璃壁，难以直接沟通，但我们依然可以接收艺术的信息，调动我们所有的官能去体验艺术品鲜活的生命力。

在几何学里，点是无形的，被定义为非物质的存在。如果用名物词来界定，点就是零。但是零之中又蕴藏着许多“人化”的特质。例如，零或者点可以被理解为最简练的语言，而最大限度的克制却并不意味着完全沉默。所以，不如说，点的独特性在于它是沉默的言说，正所谓语默一体（union of silence and speech）。

点是言说，却又代表静默。几何点的存在形式最先见于语言。话语中，点代表中断和无内容，这是作为消极因素；同时点又在文句间承上启下，这是作为积极元素。点的书面意义，就是如此。

从外在的角度来看，点仅是用于终结句子的实用记号。……却往往忽略点作为符号的内在声音。

内在被外在蒙蔽了。如果不能跳出日常现象及传统习惯，点只能是死寂。

内在的干扰与外部干扰则截然不同；它们起源于人自身，人自身为其提供生长的基础。这里说的“基础“不仅仅是指可以透过坚脆的”窗格玻璃“观察”街道“，还包括”处身于街道“的能力。处身于”街道“，最细微的感觉变化也能通过敏锐的眼耳转化成深刻的体验。恍惚间，市声四起，世界开始吟咏。一如探险者挺进新大陆，在每天...

左边的“人”，颇有离家远行的意味。他要离开自己熟悉的环境，也从各类生活规矩中解脱，自由呼吸新鲜空气。基面的左边张力，可以说是一种“冒险”的文学张力，越往左，这种张力越强烈。

右边的“人”，却倾向于返归家园。这种张力中，带有某种特定的疲倦感，其目的在于停歇。越往右边，这种疲倦和迟重的感觉越强。动态的力量在右边几乎被限制起来。

整体的构成和谐，源于多个形式组合，期间或许互有冲突。这些冲突本身未必和谐，但若安排得当，它们却无损于整体和谐，反而将整体和谐带到更高的层次上。大乱之后，必有盛治，艺术构成的道理，尽在于此。

植物的整个生长过程就是从点到线的过程。种子生根，是线往下生长；出苞发芽，则是线往上生长。随着植物不断成长，更复杂的线条组织会生成，比如树叶的网状线或是一些常青树的发散线结构。

研究艺术构成的目的无非如此：

1、找到内在的生命2、让生命的脉动显得可感3、为生命寻求规则

所谓构成，无非是按照艺术法度对生命力的精确组织。所谓生命力，体现为蕴藏于元素之中的张力。

艺术与自然间的区别不在于它们的基本法则，而在于尊从这些法则的物质。同理，物质的基本特点各不相同，而在于遵从这些法则的物质。同理，物质的基本特点各不相同，对此将不得不予以考虑：即今天得到承认的自然中的元素——细胞——是在稳定的状态下运动，相反，绘画的元素——点——却是静止的，处在安闲休眠的状态中。

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• 作者：徐栖 发布时间：2023-12-21 10:13:48

  第二次看 差点忘了自己看过...“原来康定斯基是这个意思啊”

• 作者：Naomiなおみ 发布时间：2014-03-26 12:11:41

  饼子的礼物。

• 作者：hikari 发布时间：2011-05-04 09:03:59

  大一看的，没看懂

• 作者：隐形墨水 发布时间：2022-12-31 09:10:46

  具体，探索者，发明家，试验者，对照着画再看

• 作者：olostin 发布时间：2016-10-07 15:56:18

  把她读完...俺的爱好之一

• 作者：xingni 发布时间：2023-12-08 15:37:17

  翻译不行。。这是一种不可证伪式的“科学”

• 猜外星人的谜语

  作者：某人 发布时间：2011-10-01 16:59:56

  这本书的装帧设计是著名的 小马 橙子，书的形式感和内容非常贴切，排版，字体，字距都非常方便阅读。而且很有一种 康定斯基 的年代感。整本书也没有多少，要读的话几个小时可以看完。

     

      读第一章《点》，第二章《线》，我感觉自己在猜一个聋哑人用手语打的谜语，虽然猜不透，但好歹都是人类，可以尽量去揣摩，虽然作者发现的那些点、线的种种特性我基本感觉不出来，加上时不时散文诗一般的语言，尽量 意会 吧。

      但第三章《面》，我真的找不到一句我能看得懂的话。

      

  《面》的第一页（109页）：

  “在水平延伸的冷基面中，如果施加集中的纵向张力，张力便会显得极有“戏剧性”，因为水平基面始终在约束这类张力。这种对比，如果运用到极致，甚至能导致难以忍受的痛感。”

  难以忍受的痛感！难以忍受的痛感！！！！！尼玛这是哪跟哪啊！我不知道翻译有没有问题（应该不是根本问题），这类神奇的语言还有很多。我和大师之间必有一个外星人啊！

  不过我自知智商偏低，我看不懂的书多了去了，这本书先封存了，真希望有人能用浅显的中文点拨一下我了。

• 病态的理性解构艺术

  作者：小林子阿立 发布时间：2009-05-03 16:17:17

  第一次对瓦西里.康定斯基(Wassily Kandinsky)的名字产生印象，是在大一的结构素描课上。任课的蒋老师拥有艺术学博士学位，风度翩翩，潇洒儒雅。尽管跟专业及课堂的内容基本无关，但老师课间时常有意无意地提及不少大师的名字，所谓的抽象主义、印象主义之类的词汇也从那时起开始印入脑海。不过之后对大师的了解也一直是一知半解，知道几个名词，能忽悠几句而已。一直到读了大师一个多世纪前的著作—《康定斯基论点线面》，才算对所谓的抽象主义些深入的了解。

  康大师1866年生于莫斯科，1944年卒于法国。大师从小对音乐和绘画表现出了浓厚的兴趣，但令人意想不到的是大师最初的专业居然是法律和政治经济学，还有法学博士学位头衔。在30岁那年，大师放弃了在莫斯科的法学教授职位，移居德国开始其追求其艺术生涯。放弃前半生所学，半路出家，却成为了影响后世的抽象主义艺术开山鼻祖，令人钦佩。康老如果活在当下，也绝对是个敢想敢做的潮人偶像。不过当仔细看过关于大师的这本抽象主义的理论著作之后，却也发现一些必然的缘由——法学博士理性的思维方式，对大师系统的解构感性艺术起到了关键的作用。同时，在大师的论述中，也能看到许多将绘画与音乐进行类比的论述，生动而形象。所以说一个人知识的宽度和深度是相辅相成的，学科交叉的思维方式，往往有助于对某些领域的深入研究。

  康氏认为艺术，尤其是绘画，是最接近精神灵魂本质的东西。康氏的抽象主义理论力求剥去写实主义绘画的物质表象，探索绘画对人类心灵产生激励的深层规律。也就是说，绘画的内容并非引起美感的本质，而绘画元素本身的属性，元素间的构图，色彩关系才是引起人类精神对美的共鸣的根本方式。这就好比音乐，只有对音符本身有了深刻的体会，才能够利用他们组合出动人的旋律。这种对绘画高度的符号化，秩序化反应了康氏本身强烈的理性主义思维方式。他认为艺术和科学是相通的，并非泾渭分明。绘画艺术从本质上是有序可循，有法可依的，并非完全的虚无缥缈不可琢磨。康氏通过他的绘画和论著，证明了这一观点的可信性，向人们开启了认识艺术的另一个全新视角。

  “形态越抽象，它的感染力就越清晰而直接”，听起来有点形而上，但深究下去，形式和内容确实是不可分的二元整体。只不过对于写实主义绘画，内容大于形式，而抽象主义绘画，形式往往大于内容。很多人看一些抽象主义作品时常常不知所措，因为他们总想知道作者画的是什么“东西”，但其实这并非重点，也不是作者希望传递的信息。抽象主义注重的并非这些表象的物质，而是符号化抽象元素对于人类心灵的触动。抽象主义作品的魅力就在于它能引起美学认知的最纯粹共鸣，不同的人，由于其不同的经历和背景，会对这些共鸣产生不同的理解、联想，进而产生情绪的波动。这种底层的共鸣以及继而引发的无限可能，才是抽象主义令人着迷的地方。从这个意义上讲，抽象主义并不“小众”，而是适合所有人来欣赏。

  回到书上，康氏认为点、线、面等绘画元素的几何形态是具有其基本的美学含义的，既所谓的"内在声音"(Inner Sound)。他对每一种元素都从外在和内在两个方面进行分析：外在而言，是元素的形态；内在而言，元素不是形态的本身，而是活跃在其中的内在张力。这点比较认同。大师举了很多例子来阐述不同的元素形式，颜色，角度，能够带给人的感受。说实话，这样的论述明显带有主观主义色彩，因为事实上，这些元素形式所传递的信息因人而异，一般情况下成立的规律，并非绝对。比如康氏认为锐角是暖色的（黄、橙），钝角是冷色的（蓝色），但我却没有如此深刻的体会。我承认两种角度在力量上会给人不一样的共鸣，但锐利的东西既可以是热烈温暖的，同样也可以是冷酷的。

  全书对我最有共鸣的，还是对于线条的论述。康氏认为线条是最简洁但信息量最丰富的形式。从经济学角度讲，线条可以用最少的努力获得最多的收益。长度、粗细、曲率、角度能够包含丰富的信息。线条的灵魂在于其张力。 由此我想到了当年学习车身设计的时候，老师总是强调从造型基本特征线入手，不厌其烦的调正角度，转折点，弧度。尽管这些调整带有很强烈的经验主义色彩，但是究其本质，还是能够从康氏的论述中找到许多规律性的原则。我猜测这种对于线条形式美学近乎病态的理性解构，也是德国包豪斯设计的精髓之一。具体到德国的汽车设计，这种特征也十分明显。奥迪、大众等汽车的线条总是那么简洁精炼，却又经典耐看。每一跟线条无论从三维空间的任何角度看去，都是饱满富有张力的，线条之间的比例、起始、穿插、转折，也是充满理性的，并且与工程功能完美结合。比如说腰线的曲率的最大点总是处于或者稍稍之后于车辆的重心，给人一种蓄势待发的动感。 这种"Less is more"的简洁抽象原则恰恰是设计中最难把握的。中国的汽车造型设计师并不缺好的想法，缺少的是将最初的灵感一步步细化调整，整体协调地落实到整车上的功力。这就是为什么一些国产车造型Graphic的设计蛮不错，但看上去却总有些说不上的不舒服，不协调的原因。当然，往往是美学造诣更深的人，这种体会会更深些。

  康氏百年前的思考，是具有革命性的意义的。但康氏对于抽象主义的论述还只是很基础的阶段，很多观点不够客观，也难以量化实证。我觉得，对美学认知规律的证实都存在很大的难度，何况证伪？再往下深究就有点过于病态和哲学化了，非我所专也非我所能。因此也就望望大师，高山仰止吧。

  P.S. 此版中文翻译似乎不是很到位，若能看英文原版对照更好。